1、“那些写在谱子上的很多古典音乐作品,当初作曲家都是通过即兴完成的。”恰恰相反,绝大多数古典音乐作品,尤其古典时期之后的,都是经过作曲家深思熟虑,无数次修改(可以参见贝多芬手稿)。即便是用“即兴曲”命名的,大多也同样是改了无数次最终才定稿的,叫即兴曲只是因为风格像即兴曲。

2、“即兴演奏的教育,在欧美的钢琴教育中占有了不可或缺的角色,让大家能做到没有准备,没有谱子,潇洒的坐在钢琴前让你的灵感倾泻与琴键之间。”我在德国学了这么多年,国际比赛获奖者见过无数,但是没见过几个学钢琴的可以做到答案中描述的那样拿来一首歌马上就完整的配上伴奏,更不用说即兴演奏了,您用您学作曲的标准要求学古典钢琴的未免太强人所难。在我们学校,钢琴专业虽然必修即兴演奏,但是这门课并不是让我们学完了可以完全即兴演奏了,而是让我们可以按照一个事先准备好的plan(计划,规划,方案)即兴弹一小段。考试有三项:抽一首事先准备好的歌曲,在一个不是很复杂的调性上面,弹五个变奏,这些变奏也是事先准备好的;然后随便给四个音,按照一定的曲式结构做无调性的即兴演奏,时长大概3分钟,这个曲式结构也是之前准备好的,由于是无调性,所以没有限制,怎么弹都可以,比有调性的即兴简单很多;最后再照谱弹一首自己写的曲子。再举一个例子,古典时期的钢琴协奏曲,理论上华彩部分应该是钢琴家即兴演奏的,但是现在没人这么做,即便是钢琴大师,近几十年经常这样做的印象中只有FriedrichGoulda,因为他有深厚的爵士功底。现在由于各行各业分工越来越细,现在作曲和钢琴也分成了完全不同的两个科目,要求演奏者具备即兴演奏能力的是管风琴和爵士钢琴,古典钢琴是没有这个要求的。当然钢琴家有这个能力更好,锦上添花,但是不是必须。

3、“听到任何喜欢的歌曲,能够立马弹出来,再高级点的能够随意移至任意一个调演奏。”和伴奏一样这个也不是古典钢琴学生必备的能力,属于锦上添花的加分项,但是我个人也觉得这是个比较重要的能力。德国音乐学院的乐理/和声课,专门会有Klavierpraxis这一项,其中就有给民歌即兴配和声(仅仅是和声/和弦而已,不要求琶音之类的伴奏型)的项目,但是我的同学们在刚开始没有哪个可以一上手就可以顺利的配上合适的和声,除了一个学管风琴同时还弹爵士钢琴的。由此可见,即兴伴奏的“缺失”不仅是中国钢琴教育存在的问题,欧美古典音乐一线发达国家也有。

4、关于手型,我想您也不知道为什么要求手型,什么时候要什么手型,莫名其妙就说了“国内手型更好看”,并且竟然还当做优点。。。关于手型很早就想写了,但是如果没有实际演示,甚至没有视频,无法顺利的讲明白,如果听不到区别,也无法理解手型的重要性。手型不是一成不变的要“一直握个球”的形状,在遇到比较大的和弦/音程,显然无法保持这个形状。再高级一点,手型和触键是有直接关系的,不同的触键需要不同的手型,弹大多数古典乐派以及之前的作品,大多数时间都要保持这个手型,尤其是跑动,音阶。在慢版乐章和浪漫派以及之后的时期风格,更是经常要用到手放平,更多的用指肚触键。在一些特殊的Artikulation,比如两个音用一个小的连线连起来,需要弹得很软,手指需要很慢的离开琴键,否则太突兀,这种情况也可以用指肚触键。再高级一点,一只手也要做到有的手指用指尖,有的手指用指肚,来突出某一个音,产生不同的色彩。

1、启蒙教材过于单一,并且过于依赖美国。中高级的曲目范围太小。国内至今为止还是大多数的孩子都用汤普森作为启蒙教材,汤普森并不差,但是年代过于久远,采用的方法比较老套(只是老而已,还不至于是错的),过于长的时间让学生局限在“五个手指五个音”的范围内,并且不是那么的符合国情,对于中国孩子进度过于慢,并且大批的中国琴童莫名其妙学会了大量的美国民歌。其他相对常见的教材大多也以美国的为主。

德国常用的钢琴教材差不多有十种,针对不同年龄,不同天赋,不同练琴时间,不同学琴目标的不同学生都能找到合适的,而不是一个老师给所有的学生都用一种教材。至于中级的曲目,欧洲有很多大师(巴赫,柴可夫斯基,舒曼,巴托克,欣德米特等等)写了那么多教学用的曲集,同时还有那么多不是那么难的但是音乐性非常强,可以从中学到很多东西的曲子,比如肖邦玛祖卡,门德尔松无词歌,但国内很多人只知道小奏鸣曲集,布格缪勒,柴可夫斯基四季,以及考级曲目。

高级曲目同样,音乐学院里考试,一天好几个弹热情,黎明的,古典时期那么多伟大的作品,可大多数人只能看到贝多芬有名字的那几首。浪漫派也同样,只知道肖邦李斯特,门德尔松,舒曼,勃拉姆斯,都是钢琴出身,都写了大量的优秀的曲目,再往后说还有各路法国,西班牙,捷克,匈牙利作曲家。至于现代派,和新音乐,国内好像并没有把这两个时期单独拿出来,而直接归为“乐曲”了,弹的人少之又少。而在德国,大多数学校的本科的毕业考试就必须要涵盖所有重要时期:巴洛克,古典,浪漫,印象派/新古典,新音乐。硕士的入学考试有一半的学校都要求在准备印象派/新古典的同时还要准备一首新音乐(Boulez,Stockhausen,Messiaen,JohnCage,Ligeti,Takemitsu等等)。

2、盲目重视“技术”

技术不仅是能弹多块,多响,还包括手指的控制力,不同的Articulation(在音乐中指音和音之间的衔接,比如连奏断奏),对音色的控制,还有手指发力的独立性,比如演奏复调一只手能把两个声部区分开,一个和弦需要突出其中某一个音。这也是为什么国内会觉得巴赫三部创意比平均律简单,并且严重低估了古典乐派,尤其海顿莫扎特的技术难度。而我国大多数老师包括音乐学院的老教授,都是以弹得多快,多响,有多少错音,作为衡量一个人

弹得好坏的直接标准。无视,甚至不知道还有上一段提到的那些内容,对于是否遵循作曲家本意,不同时期的不同风格的规则也了解甚少,衡量一个人弹得音乐怎么样只能按“有没有感情”来评判。快慢,错音,是否清晰,显然是最容易听出来的,但音乐不是机械的音符,要按照作曲家大师的指示,通过自己理性的思考,分配,再一半感性一半理性的表现出来,这才是音乐,否则只是音符,而我国大多数老师只重视音符,忽略了音乐。

3、过度强调“努力”,忽视思考和方法,无视天赋。

我国的教育一直都是过于强调努力,从小就灌输各种笨鸟先飞,天道酬勤,铁杵磨成针的故事,和我国的体质(社会主义)和国情有关。努力只是我们自身唯一可控的条件,但其实更重要的是天赋,然后是方法,天赋无法改变,方法需要拜师,请教高人,在各项资源都匮乏的地方只能强调努力了。

包括上一条技术,很多人碰到技术问题就只知道一遍一遍练,死磕,很少会想到方法,而方法不仅能让枯燥的练习变得有趣,并且会大大提高练习的效率。遇到问题应该思考,这个问题到底难在哪,具体到哪两个甚至哪一个音符,为什么难,怎样解决,可以用什么样的方法解决?并且不要一提到技术问题就想到哈农,哈农是有名的各种技术练习中时效性最差的一本,用的是一百五十年前的理念,这个理念西欧已经淘汰一百年,东欧已经淘汰五六十年。哈农本人在书里写,每2/3条练习都要串起来从头到尾弹四遍!这种费力不讨好的行为虽然可以锻炼耐力,但是很容易把手练坏!并且这种枯燥的练习容易让人弹着弹着就走神了,如果不能专注,练习效果会大打折扣。哈农当然可以练,但是要配合各种方法,比如不同的触键,不同的节奏,转调,等等,不要“前31条每天从头到尾弹一遍”。

关于哈农具体参见:

哈农具体该怎么练?对于新手来说关于天赋,努力,还有方法,个人总结的是这个公式:(天赋+方法)×努力=最终成果

天赋和方法直接决定进步的速度,当然前提是要努力,没有努力(练习)显然有再好的天赋再先进的方法都没用。同样,虽然勤奋能使人进步,但是如果不用先进的方法,也没有什么天赋,只是勤奋也只能很慢的进步,用了合适的,先进的方法,可以加快进步的速度。但是要知道的是,尤其钢琴,最终能走演奏路线的,都是已经具备了很高的天赋,从小就已经和很好的老师,用很先进的方法练习,想之后发力,快成年了才想走专业,想达到以后可以经常开独奏会的水平,基本没戏。普通高中生能考进柯蒂斯吗?我是非常努力练琴的!打算先考进上音再转?-Fazioli的回答读了各种音乐家传记就知道,这些名家在小的时候都是神童,十几岁就达到了绝大多数人努力一辈子也无法达到的高度。不仅智力脑力方面和天赋有关,身体机能也和先天有很大的关系。身边有人当玩一样和一个不错的老师学了八年,那时候平均每天练琴不超过2小时,但是技术几乎无死角,比很多附中出来的,从小就一天四五个小时的练了十几年的还要好!她的李斯特的钟是现场我听过最快的,错音最少的,并且收放自如,听起来丝毫不觉得是一首顶尖难度的曲子。她强悍的技术和运动天赋是有直接关系的,她同样当玩一样学的网球,游泳,都可以达到专业的水平。

Leave a Reply

电子邮件地址不会被公开。 必填项已用*标注